Dossier danse/musique

.Retour à la page "Option musique"

Dossier danse-musique
réalisé par les élèves de 2de et 1ère de l'option musique
du Lycée Vincent d'Indy durant l'année scolaire 2001-2002

Danse et musique ont de tout temps été très intimement liées. Il nous a donc paru intéressant de nous pencher sur leurs rapports, d'autant que la saison culturelle privadoise nous propose quelques soirées "chorégraphie", avec par exemple le spectacle de la compagnie La Baraka, originaire d'Annonay.

Le sujet étant immense, 4 groupes ont été constitués, chacun étant chargé d'explorer, de se documenter et de présenter 4 "points de rencontre" particuliers entre ces 2 arts (clic) :
La danse en France au XVIIème siècle (Jean-Rémi et Mehdi) Les Ballets russes (Laura, Fanny et Sandrine) La samba et quelques danses "du monde" (Guillaume et Aurélien) La danse contemporaine (Anaïs, Cécile et Antoine)
Place maintenant aux dossiers réalisés par les lycéens-musiciens !

La danse en France au XVIIème

(Jean-Rémi et Mehdi)

Comme la peinture, la danse – à l’aide de la musique – servait pour la plus part du temps la politique. En effet, un des « instruments » principaux des monarchies de l’époque était l’art. D’ailleurs, l’histoire est témoin de ce moyen de propagande – on peut prendre par exemple les dictateurs, tels Hitler et son utilisation de l’œuvre de Wagner, les religions qui s’en sont servi à des fins de prosélytisme, ou encore, plus proche de nous, les techniques de marketing et de publicité basées sur des mélodies connues de tous.
Cependant, il est quand même important de revendiquer l’indépendance de la musique, car son style et son évolution ne doivent rien à la politique.

Au XVIIème siècle, la peinture est à l’Italie ce que la danse est à la France : le fleuron de toute une culture artistique. C’est pourquoi nous avons décidé de nous intéresser au Menuet et au Ballet, principales formes de danse de la France de l’époque.

I ) LE BALLET

Le ballet des nations, de Lully
(extrait du Bourgeois gentilhomme)

1) Origine et Historique

Les racines de la danse se situent au temps de l’Egypte Ancienne et de la Grèce Antique ; mais les fondements du ballet ne furent posés qu’à la Renaissance. A cette époque, il était essentiel de savoir danser pour ceux qui appartenaient au milieu noble.
C’est Catherine de Médicis qui introduisit en 1533 à la cour de France le « Balletto » italien. Un des premiers ballets fut celui de Balthazar de Beaujoyeux, « le Ballet comique de la Reine. »Les maîtres à danser firent alors leur apparition, se multiplièrent et répandirent leur enseignement dans tout le pays.Ils rédigèrent les premiers manuels, qui expliquaient l’exécution des pas de danse. Un peu plus tard, vers la seconde moitié du XVIème siècle, on assista à la fondation des premières écoles de danse. Dansé tout d’abord par Louis XIII, c’est Louis XIV qui créa en 1661 l’académie royale de danse qui deviendra en 1684 l’académie royale de musique et de danse – aujourd’hui cette Académie est connue de tous sous le nom d’Opéra National de Paris ! Les premiers danseurs professionnels firent alors leur apparition. Puis, au milieu du XVIIème siècle, l’école des chorégraphes connut le même essor que celle des chanteurs.

2) Les différentes formes de Ballet.

A la base, le Ballet est une danse exécutée par plusieurs personnes, qui comporte le plus souvent une part de pantomime, c’est à dire la recherche d’expressivité des sentiments par la musique – parfois–, et les textes parlés.
Mais on peut distinguer l’apparition du romantisme dans l’histoire du Ballet : en 1827, une jeune danseuse arrive à Paris en compagnie de son père et de son frère, danseurs également. A son entrée à l’Opéra de Paris, sa technique nettement supérieure à celle des autres, sa légèreté et sa façon d’interpréter le Ballet la font immédiatement remarquer. Elle se nommait Marie Taglioni ; son style original fit d’elle l’ambassadrice du Ballet romantique.

Sur un plan plus technique, l’apparition des chaussons de pointes marqua, à la même époque, un tournant dans l’histoire du Ballet, en instaurant un effet accentué de légèreté – aujourd’hui omniprésent dans ces Ballets.

3) Le Ballet, aujourd’hui ?

On peut, à notre époque, se demander si le Ballet est toujours un « art » accessible – s’il n’est pas peu à peu tombé en désuétude et devenu avec le temps une sorte de science ésotérique… En fait, il est assez fréquent de voir se monter des spectacles de ce type. Il suffit de s’intéresser aux programmes des opéras et des théâtres , ou encore de prêter quelque peu attention aux troupes de danseurs en tournée dans la région, pour découvrir une foule de manifestations s’apparentant plus ou moins au Ballet. Mais si l’on s’intéresse plus particulièrement à la musique qui l’accompagne, c’est alors vers des compositeurs tels que Lulli – et pourquoi pas Stravinsky – qu’il faut se tourner.

II ) LE MENUET

Un menuet, de Rameau

1) Origine et Historique

Où ? Selon les historiens, c’est au Poitou que naît la principale danse du XVIIème siècle, le Menuet. Cette danse allait remplacer la Courante. Elle signifie "pas menu".

Qui ? Le premier compositeur à exploiter cette danse fut Jean-Baptiste Lully (1632-1687). Originaire d’Italie (Florence), il était le compositeur du Roi Louis XIV et fondateur de l’Opéra en France, Ballets de cour et comédies Ballet

2) Rôle et conséquence sur la musique

Pourquoi le menuet ? Remplaçant de la courante, le Menuet était une danse qui mettait en valeur les talents du Roi Louis XIV – qui était par ailleurs un très bon danseur, prenait des cours et participait à des spectacles de danse. Car il faut savoir que Jean-Baptiste Lully, comme tous les autres compositeurs connus de l’époque, ne composait pas selon son inspiration mais pour ses employeurs – ici, Louis XIV. Lully devait ainsi faire en sorte que l’orgueil de Sa Majesté soit comblé, que sa politique soit flattée, et, surtout, que l’ordre, les pouvoirs et les conventions établis soient préservés.
La place du menuet en Europe. Le menuet acquit une grande popularité et vit son influence s’accroître considérablement : De la France, il s’est étendu à l’Angleterre, à l’Allemagne, et bientôt à l’Italie. Même après la Révolution française, le Menuet continua à être dansé - soit aujourd’hui près de 200 ans d’histoire, influencés au fil de temps par quelques Lully, Haydn ou encore Mozart, qui jouèrent un rôle majeur dans son essor.

3) Caractéristiques de cette danse

Comment danse-t-on le menuet ? En mode ternaire, la mélodie est souvent gaie et vive ; mais la chorégraphie est, elle, plutôt basée sur des mouvements lents et, surtout, majestueux – selon la volonté d’une représentation noble du Roi.
Différents schémas de danse existent, comme celui de « la Bohémienne. » En général, un couple évolue sur la scène, tandis que les autres attendent leur tour, dans l’ordre de la hiérarchie sociale.

--> Film : « Le Roi Danse » : L’histoire se passe en 1653, lorsque Lully est nommé surintendant de la musique après le couronnement de Louis XIV.

--> Théâtre : Dans les pièces de théâtre de Molière, c’est Lully qui composait la musique des ballets - comme on peut le voir dans « Le Bourgeois Gentilhomme » par exemple.

Information complémentaire du prof: le menuet est également très vite devenu une danse stylisée, c'est à dire que les compositeurs l'ont utilisé pour sa carrure rythmique à 3 tps et sa structure tripartite, qu'ils l'ont intégré dans les suites puis les sonates (3ème mt) et les symphonies, mais sans sa fonction chorégraphique: le menuet n'était plus là pour faire danser mais pour évoquer la danse au sein d'une musique pure.
C'est au début du 19ème siècle que les compositeurs (à partir de Beethoven) l'ont remplacé, dans leurs sonates et symphonies, par le scherzo, tout aussi rythmique mais plus enlevé.

III ) CONCLUSION

Après la découverte de cette époque, on est tenté d’affirmer que c’est au XVIIème plutôt qu’au XVIème siècle que la danse - Menuet et Ballet – connut son apogée. Sur ce point là, l’évolution entre les deux types de danses est parallèle. Par contre, c’est leur utilisation qui a changé. En effet, les règles strictes du Menuet l’ont laissé figé dans son époque alors que la maniabilité du Ballet a permis sa longévité. De plus, du fait que l’utilisation du Menuet était principalement politique, après le changement de régime il devint vite désuet, même s’il a passé la révolution française. Le Ballet, par contre, n’a jamais cessé de connaître d’évolution – vêtements, pas de danse - sans en être affecté, car il prône par-dessus tout l’expressivité des sentiments - ce qui rattache cette danse au romantisme.

Retour au sommaire

Les Ballets Russes

(par Laura, Sandrine et Fanny)

Extrait du Sacre du printemps, de Stravinsky

     En 1899, Diaghilev, originaire de Saint-Pétersbourg fonde la revue Mir Iskoustva (le monde de l’art). Il fait découvrir ainsi aux parisiens l’art russe.
     En 1906, il organise à Paris de grandes expositions et des concerts pour faire connaître les artistes russes en occident. En mai 1909, c’est la première représentation des ballets russes avec “Le Pavillon d’Armide” de Tcherepnine, “Les Sylphides” de Chopin, “Cléopâtre” d’Arensky. C’est Michel Fokine qui a fait les chorégraphies. Les parisiens découvrent les décors d’Alexandre Benois et des danseurs comme Tamara Karsavina, Anna Pavlova et Vaslav Nijinski.
     En 1910, Diaghilev demande à Igor Stravinsky la musique de “L’Oiseau de Feu”, “Carnaval” de Schumann et “Shéhérazade” de Rimski-Korsakov. Grâce aux décors de Léon Bast et aux danseurs comme Karsavina, Ida Rubinstein et Nijinski, ils remportent un énorme succés.
     En 1911, Fokine arrange les chorégraphies de “Petrouchka” de Stravinsky et du “Spectre de la Rose”.
Les ballets russes sont destinés aux public des ballets classiques et à celui de l’opéra. C’est une classe plutôt aisée de la société qui est visée.

II Historique

1)Bouleversement des ballets russes sur la société.
Au XVIIIe et au XIXe siècle, les ballets étaient très réglementés : pour la danse il existait cinq positions, les danseurs les exécutaient le buste droit et les pieds ouverts. Alors que dans le “Sacre du Printemps” de Nijinski le public découvre deux positions supplémentaires de plus les danseurs ont une position du corps rentrée. De plus, Nijinski inventa les bonds dont Claudel dit qu’ils étaient la victoire du danseur sur la respiration.
Il en est de même avec les costumes : dans les ballets classiques, les danseuses ne pouvaient porter que des tutus. Alors que dans les ballets russes, chaque rôle a son propre costume. Pour pouvoir ainsi différencier les personnages.
Les décors eux aussi ont été changés par les ballets russes, avant ils ne tenaient qu’une place secondaire et étaient très simples. Alors que dans les ballets russes, ils étaient faits par de grands peintres et occupaient une grandes place.
Pour finir, les compositeurs comme Tchaïkovski refusent de respecter la forme sonate imposée ; ils préfèrent composer selon leurs envies. La musique des ballets classiques était simple, issue de chanson populaire. Celles des ballets russes par contre pouvait être jouée toute seule, elle était complexe et riche. Les compositeurs choisissent les instruments pour leur timbres et ne prennent plus que des cordes.
De plus, un ballet ne dure plus toute une soirée. Ils sont plus cours.

2)Influence
Les ballets russes ont influençé la danse moderne. Selon Béjart, ils n’avaient changé que le côté esthétique. Il créera donc le “ballet total” pour continuer le travail de Diaghilev. Les ballets russes ont aussi inspiré la danse contemporaine avec leur désir de faire apparaître la réalité. Ils inspirèrent enfin la danse jazz avec les positions et la gymnastique rythmique avec leur saut.

Le Faune, hommage aux Ballets Russes

III Les scandales

En 1912 a lieu le premier scandale avec la première de “L’Après Midi d’un Faune” de Debussy (décors et costumes : Bakst) car dans ce ballet était représenté les attitudes et les gestes d’une animalité à demi consciente.
En 1913, le “Sacre du Printemps” a aussi fait parler de lui avec la bataille d’Hernani qui soulève le théâtre des Champs Elysées. Avec ce ballet Nijinski a accompli une vraie résolution chorégraphique. Ses chorégraphies imposent une modernité qui déroute et scandalise. Mais la même année, Nijinski est renvoyé des ballets russes par Diaghilev car il s’est marié avec la danseuse hongroise Romola de Pulszky.
Les musiques des ballets russes créent aussi des scandales ; dont celles deTchaïkovski en abandonnant les formes sonates imposées aux ballets jusqu’alors.

IV L’évolution des ballets russes

     En 1915, Léonide Massine fait ses débuts de chorégraphe avec “Soleil de Nuit”. Mais il se fait connaître avec “Parade” en mai 1917. C’est un ballet qui associe les noms de Cocteau, Picasso et Satie.
     Boris Kochno devient le bras droit de Diaghilev.
     Bronislava Nijinska, soeur de Nijinski, monte à Londres “La Belle au Bois Dormant”. Elle devient la quatrième chorégraphe des ballets russes. Grâce à “Noces” en 1923, elle se fait connaître. A 21 ans, Georges Balanchine devient à son tour chorégraphe des ballets russes. En 1920, il collabore avec Stravinsky avec “Le Chant du Rossignol”. Le danseur Serge Lifar se fait connaître grâce à “Apollon Musagète”(1928) et “Le Fils Prodigue”(1928). La saison de 1929 s’achève à Londres. Dans la nuit du 18 au 19 août 1928, Diaghilev meurt. Avec sa mort, disparaît l’esprit des ballets russes.
     Les premiers chorégraphes restèrent très proches de la danse classique. Mais les derniers ont cassé les règles strictes des ballets classiques.

V Danseuses et danseurs

1)Fokine
Michel Fokine était un danseur et chorégraphe russe. Il est né à Saint-Pétersbourg en 1880 et décédé à New York en 1942. Il a été danseur, en 1898, au théâtre Marinski. En 1905, il crée sa première chorégraphie “Acis et Galatée” et “La Mort au Cygne” en 1907. Il arrange plusieurs chefs d’oeuvres comme “Le Pavillon d’Armide”(1907), “Chopiniana”(1907), “ L’Oiseau de Feu”(1910), “Petrouchka “(1911). Pour lui, la musique, la danse et la peinture ne doivent faire qu’un.

2)Pavlova
Anna Pavlova était une danseuse russe. Elle est née à Saint-Pétersbourg en 1881 et décédée à La Haye en 1931. Elle a débuté en 1899 au théâtre impérial de Saint-Pétersbourg. Michel Fokine lui confie des rôles importants dans “Le Pavillon d’Armide”(1907), “Chopiniana”(1908). Elle s’est fait connaître dans le monde entier grâce à la “Mort du Cygne”. Elle incarne la danseuse romantique dans sa miraculeuse perfection.

3)Rubistein
Ida Rubistein était une danseuse russe. Elle est née à Kharkov en 1885 et décédée à Vence en 1960.
Elle s’est faite connaître lors des saisons 1909 et 1910, Diaghilev la découvre dans “Salomé”, chorégraphie que Folkine a créé pour elle, et l’engage pour interpréter le rôle principal de “Cléopâtre” en 1909. Des écrivains comme Cocteau disent qu’elle a un talent de tragédienne. Cela est confirmé lorsqu’elle parait aux côtés de Nijinski dans “Shéhérazade”.

4)Karsavina
Tamara Karsavi a été une danseuse britannique d’origine russe. Elle est née à Saint-Pétersbourg en 1885 et décédée à Beaconsfield en 1978. En 1909, elle devient l’interprète privilégiée des ballets russes. Après son interprétation de “Cléopâtre”(1909), Folkine, qui songe à l’épouser, crée pour elle “L’Oiseau de Feu”(1910). Elle interprète avec Nijinski “Le Spectre de la Rose”(1911), “Le Dieu Bleu” (1912), “Daphnis et Chloé”(1912).

5)Nijinski
Vaslav Fonitch était un danseur et chorégraphe russe d’origine polonaise. Il est né à Kiev en 1889 et décédé à Londres en 1950. En 1907, il est engagé au théâtre Maryinski. Il apparaît dans “Acis et Galatée”. Il crée “Le Pavillon d’Armide” avec Anna Pavlova. Les parisiens le découvre en 1909 avec les ballets russes au théâtre du châtelet. En 1911, il est renvoyé du théâtre Mayinski car il a porté une tunique sur de simples collants.

6)Massine
Léonide Massine était un danseur et chorégraphe russe naturalisé américain. Il est né à Moscou en 1896 et décédé en 1979 à Borken. Il est engagé dans les ballets russes en 1913. IL crée le rôle de Joseph dans la “Légende de Joseph”(1914) de Folkine. Il arrange les chorégraphies de “Soleil de Nuit”(1915), “Les Femmes de Bonnes Humeurs” (1917), “Parade”(1917).

7)Balanchine
George Balanchine était un danseur et chorégraphe d’origine russe, naturalisé américain en 1939. Il est né à Saint-Pétersbourg en 1904 et décédé à New York en 1983. C’est le dernier héritier de la grande tradition russe. En 1925, Diaghilev le nomme chorégraphe des ballets russes. Il crée “Apollon Musagète”(1928) et “Le Fils Prodigue”(1929).

8)Lifar
Serge Lifar était un danseur et chorégraphe français d’origine russe. Il est né à Kiev en 1905 et décède à Lausanne en 1986. En 1923, il est engagé par Diaghilev aux ballets russes. De 1923 à 1929, il interprète une quarantaine de ballets.

VI Compositeurs

1)Stravinsky
Igor Stravinsky était un compositeur russe, naturalisé français en 1934, puis américain en 1945. Il est né près de Saint-Pétersbourg en 1882 et décédé à New York en 1971. En 1908, Diaghilev lui propose d’écrire un ballet. Pour Stravinsky, c’est un tournant décisif : c’est le véritable début de sa carrière musicale. En 1910, “l’oiseau de feu” est un chef-d’oeuvre de nouveauté. Ce chef-d’oeuvre suscite l’intérêt chez quelques musiciens comme Debussy, Ravel, Dukas, Schmitt de Falla. Stravinsky fait un énorme succès avec “Petrouchka”(1911) et “Le Sacre du Printemps”. Ce dernier fait de lui l’un des principaux représentants de la modernité et lui assure une célébrité internationale.

2)Debussy
Claude Debussy était un compositeur français. Il est né à Saint-Germain-en-Laye et décédé à Paris en 1918. En 1894, la première du “Prélude à l’Après-Midi d’un Faune” est accueillie avec enthousiasme. Cette pièce est le premier chef-d’oeuvre de Debussy et elle amorce une rupture avec la musique symphonique du XIXe siècle. Avec “Pelléas et Mélisande”, il confirme sa quête d’une esthétique musicale russe. De 1903 à 1913, il crée trois grandes fresques symphoniques : “La Mer”(1903-1905), “Image”(1905-1912) et le ballet “Jeux”(1913), créé par Nijinski pour les ballets russes.

VII Ecrivains et peintres

1)Cocteau
Jean Cocteau était un écrivain, peintre et cinéaste français. Il est né à Maison-Laffite en 1889 et décédé à Milly-la-Forêt en 1963. Cocteau connaît ses premiers succès de scandale avec le spectacle “Parade”(1917) des ballets russes.

2)Picasso
Pablo Picasso était un peintre, dessinateur, graveur et sculpteur espagnol. Il est né à Mélaga en 1881 et décédé dans les Alpes-Maritimes à Mougins en 1973. Après le cubisme, en 1917, Picasso travaille pour les ballets russes. Il fait le décor du ballet “Parade” sur un livret de Jean Cocteau, de “Tricorne”, de “Pulcinella”.

VIIIConclusion

Les ballets russes ont été créés par Diaghilev qui voulait remplacer les opéras trop coûteux. Il a en même temps révolutionné la conception des ballets. Il a aussi fait redécouvrir l’art occidental. Les ballets russes ne sont pas seulement une danse, ce sont tous les arts réunis pour former un grand chef-d’oeuvre.

Principaux ballets créés par la compagnie

1910: Schéhérazade ( Fokine / Rimsky- Korsakov), L'Oiseau de Feu ( Fokine / Stravinsky).

1911: Pétrouchka ( Fokine / Stravinsky), Sadko (Fokine/ Rimsky-Korsakov).

1912: L'après-midi d'un Faune ( Nijinski / Debussy), Daphnis et Chloé ( Fokine / Ravel), Thamar (Fokine/
Balakirev).

1913: Jeux ( Nijinski / Debussy), Le Sacre du Printemps ( Nijinski / Stravinsky).

1914: Le Coq d'Or (Fokine/ Rimsky-Korsakov).

1915: Soleil de Nuit ( Massine / Rimsky-Korsakov).

1917: Parade ( Massine / Satie); Les Femmes de Bonne Humeur ( Massine / Scarlatti), Contes Russes ( Massine
/ Liadov).

1919 : La Boutique Fantasque ( Massine / Rossini-Respighi).

1920: Le Tricorne ( Massine / De Falla), Pulcinella ( Massine / Stravinsky), Le Chant du Rossignol ( Massine /
Stravinsky).

1923: Les Noces ( Nijinska / Stravinsky).

1924: Les Biches ( Nijinska / Poulenc), Le Train bleu ( Nijinska / Milhaud), Les Fâcheux ( Nijinska / Auric).

1925: Les Matelots ( Massine / Auric).

1926: Jack in the Box ( Balanchine / Satie).

1927: La Chatte ( Balanchine / Sauguet), Pas d'Acier ( Massine / Prokofiev).

1928: Apollon musagète ( Balanchine / Stravinsky).

1929: Le Fils Prodigue ( Balanchine / Prokofiev).

Retour au sommaire

La samba

(Guillaume et Aurélien)

Différentes définitions

SAMBA [sãba]. n.f. (1923-1945 ; mot brésilien)
1. Musique et danse populaire traditionnelle du Brésil. La samba est basée sur un rythme binaire et syncopé. La base rythmique est assurée par une batterie de percussions, la partie mélodique par des instruments à cordes et des chanteurs. Dans les quartiers populaires de Rio de Janeiro se trouvent les plus grandes et les plus renommées écoles de samba : Imperatriz Leopoldinense, Mangueira, Beija Flor, Portela, Viradouro, Unidos da Tijuca...
2. Samba de enredo : samba chantées, avec instruments à cordes amplifiés, choeurs et chanteurs solistes. Samba reggae : sambas dont la base rythmique emprunte au reggae jamaïcain ses contretemps et sa sensualité. Olodum est un groupe de samba reggae.

SAMBISTE [sãbist]. n.m. (vers 1997 ; du port. sambista qui fait de la samba)
1. Personne qui participe aux activités d'un groupe ou d'une école de samba. Parmi les sambistes on peut distinguer les danseurs (pasistas), les percussionnistes (rítmistas)...

BATUCADA [batukada]. n.f. (1956 ; du port. batucada battement)
1. Morceau entièrement basé sur des percussions, dont la structure rythmique est calquée sur la phrase de samba. La samba batucada est le type même des musiques de rue du carnaval à Rio de Janeiro.
2. Par ext. groupe de percussionnistes jouant ce type de musique. La batucada avançait lentement dans la rue, entourée par un cortège de spectateurs déchaînés. Syn.: Batterie de percussions.

Origines

Originaire d'Afrique mais découverte au BRESIL, la Samba est une danse d'Amérique du Sud qui rend les danseurs euphoriques. Elle fait partie intégrante de la culture Brésilienne, c'est le symbole de la fête et du Carnaval de Rio. Son nom vient droit du mot Bamteu "Sembe" qui veut dire "nombril". Plusieurs versions de la Samba de Bajao à Marcha sont dansées au Carnaval de Rio. Le carnaval de Rio est tout entier tourné vers la samba. Les écoles de samba de Rio passent l'année à préparer le carnaval...
Mais la samba est aussi très populaire en occident où elle a été introduite dans les années 40. Elle fait partie des danses sportives et la version que nous dansons emprunte beaucoup aux autres danses latines de compétition.
La musique samba est fortement bâtie autour des percussions que les esclaves africains ont apporté avec eux au Brésil. L'effet hypnotique de ces rythmes d'influences africaine, portugaise et locale ainsi créés a entraîné l'exécution pieds nus d'une nouvelle danse ("semba").

Lors du carnaval, les danseurs de samba sont vêtus de costumes imposants qui empêchent la plupart des mouvements sauf ceux des pieds. Ainsi la samba de Rio, dansée en solo, est-elle très différente de la samba de couple internationale. La rythmique de base est "vite vite lent et" est gestuée en trois pas et un petit lever de genou. L'ensemble est très déhanché, surtout pour les filles.

Evolution

C'est la danse en couple nommée maxixe, de la même famille que la samba, qui fut le prélude à la diffusion de cette dernière hors du Brésil au début du XXe siècle. Arrivée en France en 1924, la samba se dansait d'une manière plutôt raide et s'inclinant en avant et en arrière alternativement. Après une période moins intense la samba connut un regain de popularité dans la fin des années 1930 et les années 40 particulièrement grâce au cinéma et de films comme "Flying to Rio" ou "Carioca" où jouent Ginger Rogers et Fred Astaire.
Peu à peu la variante internationale de la samba prit forme et fut standardisée pour les compétitions de danses sportives latines. La samba internationale se danse autour de la piste sur une rythmique "lent vite lent" (3/4 de temps, 1/4, 1). On y repère quelques figures caractéristiques comme les "bota fogos" ou le "roll".

Notons pour mémoire l'existence d'une variante "bal" de la samba qui ne comporte pas de déplacement autour de la piste (danse non progressive) et beaucoup plus pauvre en figures que la samba de compétition.

Samba : les bases

La samba en Europe se danse en couple. La position du couple est la même que pour les autres danses latines (danseur et danseuse distants d'une trentaine de centimètres). Le pas de base consiste à avancer le pied droit sur le "un", à marquer le "et-deux" par une légère flexion de chacun des deux genoux alternativement. On reprend ensuite la même opération en reculant le pied gauche sur le "trois" et ainsi de suite. Le pas de la danseuse est bien sûr symétrique (elle recule sur le "un" et avance sur le "trois"). Pour faire ressortir le vrai caractère de cette danse, le danseur doit dégager une interprétation joyeuse, flirteuse et exhubérante. Plusieurs figures utilisées en Samba font appel à des actions du bassin difficiles à effectuer mais qui font ressortir l'effet escompté de cette danse. La plupart des figures de la samba se déroulent dans un faible périmètre. Elle peut donc se danser "sur place" comme le cha-cha-cha ou le rock. Mais c'est normalement une danse d'évolution autour de la piste comme le tango, le paso ou la valse.

Musique et tempo

La samba se danse sur un rythme musical rapide 2/4 (parfois 4/4) : 50 à 60 MPM en général. Depuis la première samba internationalement connue ("Pelo Telefono") de Ernesto Dos Santos (dit Donga), le rythme de la samba a servi de base à de nombreuses compositions. Parmi les plus récentes, nous comptons "Ma fiancée, elle est partie" de Dany Brillant, "Maghalena" par Sergio Mendez ou "Mi chico Latino" chanté par Geri Halliwell, etc.
Il est à noter que, musicalement, la fusion de la samba et du jazz à la fin des années 1950 donna naissance à la bossa-nova. La samba est la musique du Brésil. Les exemples de samba ne manquent donc pas : de "Tico tico" à la bande.

En résumé …

Danse nationale du Brésil, la samba fait immanquablement penser au carnaval de Rio de Janeiro. Son rythme marqué et enlevé fait de cette danse un classique des fêtes exotiques d'autant plus que des styles variés de musiques ont été composées afin d'être dansé en samba. Pour autant il n'existe pas qu'une seule samba dans le monde : la samba qui est pratiquée en Europe n'est pas forcément celle qui est dansée au Brésil ou en Argentine...

A suivre (grève) :

Les instruments

Photos

Liens
http:www.percuterreux.com/
http://sambistas.online.fr/en-france/index.shtml

Retour au sommaire

La danse contemporaine

(par Anaïs, Antoine et Cécile)

La danse existe depuis les temps les plus reculés, il est impossible de préciser à quelle époque l’être humain a commencé à danser. Il est probable que son développement a suivi l’évolution de l’espèce humaine.

La danse est d'un caractère universel et entretient des rapports privilégiés avec d’autres formes d’arts. Depuis toujours, la danse est une suite de mouvements du corps exécutés sur un rythme, selon certains plans, et le plus souvent accompagnés d’une musique.
Les danses conventionnelles comme le ballet classique propose des mouvements effectués par le danseur face au public sur le devant de la scène. Sa posture est droite et les jambes sont tournées vers l’extérieur par rapport aux hanches.

Au début du XXème siècle, les danseuses américaines Isadora Duncan et Ruth Saint Denis et d’autres encore expérimentent de nouvelles formes d’expressions. Cela va ouvrir un important développement de la danse moderne.

I ) Qu’est-ce que c’est que la danse contemporaine ? (la danse moderne)

L'histoire de la danse moderne se divise en trois périodes l’une commençant vers 1900,l’autre vers 1930,et la dernière après la fin de la Seconde Guerre mondiale. La première époque, qui englobe les carrières des danseuses américaines sera une période ou il y aura des réactions contre les ballets.

Les premiers danseurs modernes s’inspirent de sources remontant à l’Antiquité et parfois autre part que l’Occident.
La danse contemporaine s’est surtout développée dans des pays sans forte tradition de ballet comme aux Etats-Unis. En 1930, les Etats-Unis deviennent le centre de la création pour les chorégraphies de la danse moderne.

Au départ, on disait que cette danse était une réaction contre le ballet puisque beaucoup de choses sont différentes et cela pouvait choquer à cette époque.
En effet, les danseurs se tiennent aussi bien de face que de profil par rapport au public, on peut même lui tourner le dos. Le corps peut être courbé et on peut utiliser toutes les dimensions de l’espace, les pieds sont nus, ce qu’on ne pouvait pas faire dans les ballets.
Le chorégraphe est le plus souvent celui qui danse ses propres chorégraphies, il fait aussi les décors et les costumes de son spectacle.
La danse moderne exige de chaque créateur qu’il établisse ses propres conventions, son propre langage, d’où la nécessité d’être à la fois chorégraphe et danseur.

La relation entre le mouvement et la musique est particulière puisqu'on n'est pas obligé d’associer les mouvements avec les temps forts et les rythmes de la musique Il arrive parfois que le seul fond sonore d’un ballet soit celui des corps des danseurs en mouvement.

Après la Seconde Guerre mondiale la danse contemporaine suit son cours jusqu'à nos jours. Les danseurs et chorégraphes s’inspirent de multiples styles de danse du XXeme pour créer leurs propres mouvements. Les danses contemporaines rassemblent de la danse populaire, du ballet et de la danse moderne.

Le Sacre, version Maurice Béjart

II ) Les chorégraphes

Au début du XXème siècle, les danseuses Isadora Duncan et Ruth Saint Denis ont permis le développement de la danse contemporaine.
Isadora Duncan s’inspira de la sculpture grecque pour sa gestuelle. C’est elle qui exige que les danseurs ne dansent plus avec des chaussons mais les pieds nus.
Ruth Saint Denis débuta comme Isadora, c’est à dire en solo mais en 1915 elle crée avec son mari, la compagnie Denishawn où elle forme les danseurs.

Au fil des années les chorégraphes passent. des œuvres en solo aux œuvres de groupes.

Certaines pièces de danse moderne firent scandale comme l’Apres midi de la faune, le Sacre du printemps, de Nijinski (voir le dossier Ballets Russes ci-dessus).

Vers 1930, la chorégraphe Martha Graham vient de la compagnie Denishawn. Elle s’inspire de choses simples comme la respiration et la marche de l’être humain et elle transforme ces actions naturelles en une gestuelle. Elle crée des scènes avec une histoire.

Merce Cunningham né en 1919, va révolutionner la danse, il considère la musique et le décor indépendamment de la danse. Aujourd’hui, Merce Cunningham a 82 ans et il prend toujours autant de risques. C’est une référence absolue de la danse contemporaine. Il travaille ses figures à l’ordinateur et il répète sans musique. L’une de ses dernières œuvres est Bilep qu'il a créée en 1999. On l’appelle : « l’infatigable explorateur du mouvement ».

III ) Sur quel genre de musique pratique-t-on la danse contemporaine ?

(à venir... Grève)

Retour au sommaire

Retour à la page "Option musique"